manga,guitarristas,bandas y solistas
este espacio ha sido creado para dar a conocer lo mejor de esta cultura
manga
Nacimiento del manga moderno (1945)
Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era. El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores. Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka:
- Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas.
- Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa.
Osamu Tezuka, un estudiante de medicina veinteañero apasionado de los dibujos animados de Fleischer y Disney, cambiaría la faz de la historieta nipona con su primer libro rojo: La nueva isla del tesoro, que vendió de súbito entre 400.000 y 800.000 ejemplares, gracias a la aplicación a la historia de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en varias viñetas y combinaba este dinamismo con abundantes efectos sonoros.
El éxito de Tezuka lo llevó a las revistas de Tokio, particularmente a la nueva Manga Shōnen (1947) que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, y en la que Tezuka publicó Astroboy. En estas revistas impuso su esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan sus adaptaciones literarias y el manga para chicas o shōjo manga. A mediados de los 50, Tezuka se trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura con un grafismo muy diferente, nada disneyano.
Un año después, Shōnen desapareció y los libros rojos agonizaron. Entre ambos, y por obra de Osamu Tezuka, habían puesto los pilares de la industria del manga y anime contemporáneos.
guitarristas
herman li
es el guitarrista detrás de ésos sobre el fretwork hiperactivo superior de la guitarra, y parte de la base de la producción de la grabación de todos los expedientes de DragonForce.
Llevado en Hong-Kong, Herman es músico autodidacta, aprendiendo sobre todo de escuchar su música del favorito y videos que miran.
Después jugando en un número de vendas subterráneas de la roca y de metal en Londres, Herman decidía la única manera para que él se mueva adelante, es formar una venda en vez de ensamblar uno. En el verano de 1999, Herman encontró a un número de músicos en el Reino Unido para golpear comienzo con el pie una venda nueva ahora conocida por todo el mundo como DRAGONFORCE.
Herman ha terminado recientemente tres viajes del mundo en el plazo de dos años para su alboroto inhumano del ` más último del álbum ’ (los expedientes de Roadrunner), incluyendo Norteamérica ningunas menos de cuatro veces (etapa y los headliners principales de Ozzfest).
Entre el mundo intensivo viaja con DragonForce, Herman encontró hora de escribir una columna mensual de la guitarra en el compartimiento total de la guitarra de Reino Unido. Él también ha dado muchas clínicas de la guitarra alrededor del mundo, showcasing su propio acercamiento al instrumento para ayudar a inspirar a guitarristas alrededor del globo. Así como el desarrollo como jugador, Herman tiene gusto de entender su instrumento tanto como sea posible. Él está implicado pesadamente en el desarrollo de la guitarra eléctrica, trabajando en nuevas ideas de mejorar el instrumento tanto como sea posible.
Herman y el SAM Totman del socio de la guitarra han estado jugando juntos por años, el dual está haciendo actualmente un impacto enorme en escena de hoy de la roca moderna y del metal.
Herman ganó la concesión de la ’ mejor desfibradora ’ en las concesiones de oro 2005 de los dioses del martillo anual del metal. Junto con el SAM, Herman ganó recientemente cuatro categorías en la encuesta 2007 de los lectores del mundo de la guitarra para el ’ mejor nuevo talento ’ (que gana por el 70%), el ’ mejor metal ’, el ’ mejor Riff ’ y las ’ mejores desfibradoras. También ganaron el ’ mejor solo de la guitarra ’ con a través del fuego y las llamas en la encuesta 2007 de los lectores de la guitarra total y encuestas numerosas en otra imprimieron y prensa en línea alrededor del mundo.
sergio vallin
sergio-mana
Sergio Vallin - Guitarra
Sergio se une a la banda en 1994 cuando buscaban un cuarto integrante tras la partida de Iván González y César López por desacuerdos laborales. Después de lanzar una convocatoria nacional en búsqueda de un nuevo guitarrista, aparece un estudiante de guitarra clásica y rocanrolero de corazón: Sergio Vallín.
Estudiaba guitarra clásica en una academia de México hasta que ingresó a Maná, de allí su influencia de Paco de Lucía y el ritmo flamenco. Sergio le ha dado al grupo nuevos aires y nuevo estilo. Su primer álbum como guitarrista de Maná es "Cuando Los Ángeles Lloran".
Estado civil:
Casado y padre de tres hijos.
Lugar y fecha de nacimiento:
26 de Mayo de 1973, Aguascalientes.
Defecto:
Es el mas dormilón de los cuatro y al que siempre se le hace tarde para las entrevistas.
Acostumbra vestir:
Lo mas cómodo posible.
bandas
mago de oz
Capítulo I - Los primeros años
En el año 1.988 Txus Di Fellatio, que por aquel entonces había abandonado la disciplina del Real Madrid C.F. -al que pertenecía desde 1.980-, alternaba su pasión por el fútbol con sus amoríos hacia cualquier tipo de pentagrama. Educado desde muy temprana edad a apreciar todo tipo de música -a la edad de 6 años ya escuchaba Zarzuela, Ópera y Bandas Sonoras da películas- muy pronto fue seducido por el Heavy Metal y la Música Celta.
Así, a finales de ese mismo año, decide -en compañía de Juanma y Pedro- formar una banda de Rock. El nombre elegido sería Transilvania, y fue una forma de honrar a sus ídolos Iron Maiden. De hecho, yendo a ver a este fabuloso grupo inglés al festival de Donington, Txus conoció a Oscar Sancho, líder de un grupo segoviano llamado Lujuria. Desde entonces mantienen una gran amistad más allá de la Música.
Muy pronto cambiaron el nombre por el definitivo Mägo de Oz. Según comenta el propio Txus: "Elegí este nombre porque, como en la película, la vida es un camino de baldosas amarillas, en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños...".
Esta primera formación estaba compuesta por:
Juanma: Voz y Guitarra Rítmica
Pedro: Guitarra Solista
David: Bajo y Coros
Txus Di Fellatio: Batería, Voz y Coros
En 1.989 graban su primera maqueta, denominada "Y qué más da". Esta contiene tres temas con un marcado estilo Urbano-Sinfónico, y sus títulos son: "Para Ella", "Y Qué Más Da" y "Rompe las Barreras. Junto con estos tres temas propios, Mägo de Oz crea un repertorio basado en temas de Tequila, Asfalto, Topo, Iron Butterfly, etc, etc..., que ensayan en su primer local situado en el Norte de Madrid (Fuencarral).
Tanto Txus, Juanma, como Pedro son de un barrio muy cercano llamado Virgen de Begoña (en la actualidad dos de ellos aún viven allí).
En ese mismo año Mägo de Oz hacen su primera actuación importante. El concierto tuvo lugar en Segovia, y pertenecía a la programación de las fiestas del PCE en dicha ciudad. Junto a Mägo de Oz estaban Lujuria y Dama feudal (banda ya desaparecida en la onda de Dokken).
En el invierno del siguiente año (1.989) Mägo de Oz ficha a dos guitarristas - Paco, guitarra rítmica y Chema, guitarra solista y compañero de Txus en el Real Madrid C.F.-, también ficharon un teclista, llamado Alfonso. El sonido de Mägo de Oz se endurece considerablemente y acerca su estilo a grupos de esa época como Hiroshima, Bon Jovi, etc...
Los ya desaparecidos estudios Kirios les graban totalmente gratis su segunda maqueta llamada "Canción de Cuna para un Bohemio". En esta nueva entrega aparecen los siguientes temas: "Lágrimas de Guitarra", "Mirando Tras unos Cristales", "Sólo en la Ciudad" y "Canción de Cuna para un Bohemio", tema que más tarde se denominaría "Mägo de Oz". Semanas antes de entrar al estudio, la banda prescinde de su bajista David y tras varias audiciones, el puesto es para Salva.
La formación se quedaría como:
Juanma: Voz
Salva: Bajo y Coros
Chema: Guitarra Solista
Paco: Guitarra Rítmica
Alfonso: Teclados
Txus Di Fellatio: Batería y Coros
Durante ese año, Mägo de Oz realiza conciertos por todo Madrid, pero Txus sigue volcado más en el fútbol -acababa de firmar un contrato con un equipo de 1ª división de Fútbol Sala-. El grupo sólo era para él algo muy secundario en su orden de preferencias...
En 1.992 los "Mägo" se meten por tercera vez en un madrileño estudio para grabar otra maqueta. En esta, el sonido va a cambiar sustancialmente. Txus llama a un viejo amigo del instituto llamado Carlos Prieto, al que todos llaman Mohamed. Este "individuo" va a ser la causa de que Mägo de Oz empiece a ser el embrión de lo que es hoy en día. Txus necesitaba un violín para un tema que se llamaba "Tango de un Donante", una canción irónica y cachonda en la que Txus mezclaba el Rock con un Tango Argentino. El resultado fue asombroso, y Mohamed le dijo a Txus que él no se movía del grupo. Por más que Txus protestó, Moha se salió con la suya. ¡Y es que el Moha cuando quiere sabe ser muy persistente! Txus le preguntó al violinista si sabía alguna melodía celta, este sonrió y empezó a tocar "Sueños Diabólicos" (una preciosa canción celta que hizo famosa los madrileños "Labanda"). Este tema formaría parte del set list de Mägo a partir de ese momento. Pero donde Mohamed se ganó el puesto (que no el respeto jejeje) de Txus fue con Gerdúndula, otro tema tradicional. ¡¡¡El sonido de Mägo de Oz había nacido!!! Los títulos de esta tercera maqueta son: "Maruja", "Rock Kaki Rock", "Gerdundula", "Para ella" (versión 1992), "El Tango del Donante"y "No Seas Pesá".
La formación se consolidó con:
Juanma: Voz
Salva: Bajo y Coros
Chema: Guitarra Solista
Paco: Guitarra Rítmica
Alfonso: Teclados
Txus Di Fellatio: Batería y Coros
Mohamed: Violín
A principios del año 1.992, Alfonso (teclados) es invitado a abandonar la formación, siguiendo el deseo expreso de Mohamed. A su vez, Paco (guitarra rítmica) también abandona la nave. Entra en escena Charlie, un gran guitarrista que dará más dureza a las nuevas composiciones. Ese mismo año los Mägo graban su cuarta y última maqueta. Los temas elegidos fueron: "Tésnucaré Contral Bidé", "Lo que el Viento se Dejó" (cantada por Txus y dedicada al entonces presidente del gobierno Felipe González), "Nena", "El lago" y "Por Ti Cariño". Esta maqueta tuvo un rotundo éxito por los circuitos underground de Madrid. Esto les lleva participar en el concurso Villa de Madrid, quedando finalistas del mismo. Txus abandona el fútbol y ahora sí dedica todo su esfuerzo y energía a Mägo de Oz. El primer paso que da es pedir prestado a Jesús Hernández, su padre, un millón y medio de las antiguas pesetas para auto-producirse su primer disco (tardaron cuatro años en devolverlo).
Pero antes, Chema abandona el barco para dedicarse en pleno a sus estudios en la Facultad de Derecho. Charlie lleva al local a un tipo con pinta de profe de filosofía, un gran guitarrista y mejor persona: Juan Carlos Marín "Carlitos". Al quinto chiste malo de Carlitos el puesto fue suyo. Mägo ce Oz son invitados a tocar en la Expo de Sevilla ante ¡más de 50 personas! ¡Menudo llenazo! Pero esto, lejos de amilanar a los Mägo, les hizo más fuertes.
Se meten un mes entero a preparar en su local lo que sería su primer y desapercibido disco "Mägo de Oz".
Juanma: Voz
Carlitos: Guitarra Rítmica
Charlie: Guitarra Solista
Salva: Bajo y Coros
Txus Di Fellatio: Batería y Coros
Mohamed: Violín
rammstein
Biografia de Rammstein
Su música es difícil de clasificar, si bien algunos los etiquetan como Tecno-Metal Industrial Gothic otros los clasifican como Tecno -Metal, Hard Core contemporáneo. Que cada cual los clasifique como le salga...
En Marzo de 1995, su primer trabajo Herzeleid, es producido en Estocolmo con el productor sueco Jacob Hellner (productor de Clawfinger) y Carl Michael Herl ö ffson en los estudio Polaroid, se edita en Alemania en Septiembre de 1995 y un año después se edita en todo el mundo dando así comienzo a su andadura mundial. El 17 de Agosto, sale a la venta el primer single DU RIECHST SO GUT, como paquete digi limitado y perfumado. Del 14 al 31 de Octubre, RAMMSTEIN sale en tour con Project Pichfork con un total de 15 conciertos. Un mes más tarde sale en tour con Clawfinger con un total de 2 conciertos en Varsovia y Praga, y en Diciembre, RAMMSTEIN sale de gira como líder por Alemania con un total de 17 conciertos en veinte días.
system of a down
Esta banda metal-alternativa estadounidense de Los Ángeles, California, es conformada por cuatro integrantes de herencia Armenia; Serj Tankian (Vocalista, teclados), Daron Malakian (Guitarra, segundas voces), Shavo Odadjian (Bajista) y John Dolmayan (Baterista). Tankian, Malakian y Odadjian tocaron juntos por primera vez en 1993 en un grupo llamado Soil, renombrándose System of a Down, por un poema de Serj, en 1995. Después de reclutar al baterista Dolmayan y sus explosivos shows en vivo, formaron una fanaticada grande al sur de California.
Rick Rubin, quien, en septiembre de 1997, firmó al grupo como la primera banda de su sello discográfico American Recordings, los encontró tocando en el Viper Room de Hollywood. Su álbum debut, lanzado en junio de 1998, fue grabado en los estudios Sound City con Rubin y Dave Sardy como productores.
El sonido denso del grupo con su fusión de metal alternativo, ritmos programados y un toque de influencias Asiática-Europeas, los llevó a obtener comparaciones con bandas como KoRn y Deftones. Y, su agenda política los llevó a otros niveles, con canciones como “"P.L.U.C.K." ("Politically, Lying, Unholy, Cowardly Killers") y una de las favoritas en sus shows en vivo, "War?”, que hablan de las atrocidades que ocurren en su madre patria.
mana
Sombrero Verde
Los orígenes de Maná se remontan a un grupo musical llamado Sombrero Verde, cuyos integrantes (José Fernando (Fher) Olvera, como voz; Gustavo Orozco, a la guitarra eléctrica; y los hermanos Calleros: Juan Diego, al bajo, Ulises, a la guitarra eléctrica y Abraham, a la batería) eran de Guadalajara. En 1978, habían decidido juntarse para tocar distintos temas de varios grupos a los que admiraban, entre ellos The Beatles y Led Zeppelin. Inicialmente, se hacían llamar The Green Hat Spies, pero pronto el nombre se abrevió en Green Hat y, finalmente, se adaptó al español como Sombrero Verde, cambio que también se reflejó en el repertorio que se dedicaron a tocar.
En 1981 publicaron su primer disco, Sombrero Verde, con el sello Ariola; los sencillos fueron "Vampiro", "Profesor", "Long time" y "Despiértate".
En 1983 lanzaron A tiempo de Rock, con la colaboración de Cisne Raff; los sencillos fueron "Laura", "Hechos nada más" y "Me voy al mar". Estos dos discos tuvieron escaso éxito.
Hacia mediados de los 80’s, comenzó en México el movimiento denominado "Rock en tu idioma", una estrategia comercial de algunas compañías discográficas encaminada a llamar la atención de los jóvenes para desarrollar música rock en español. La tendencia, importada de Argentina, estaba avalada por el trabajo pionero de grupos como Soda Stereo, Enanitos Verdes, Virus, Autobús y Zas (la banda de Miguel Mateos), etc.; como consecuencia de ello, aparecieron varios grupos mexicanos formados con jóvenes de la clase media y con influencias musicales de grupos como The Police, The Cure, Paralamas do Sucesso, Led Zeppelin y otros. Surgieron, así, las bandas líderes del movimiento: Caifanes, Maldita Vecindad, Café Tacuba y, entre ellas, Maná, logrando éxito no solo a nivel local sino también internacionalmente.
Maná
En 1987, el grupo firmó con la discográfica Polygram y publicó Maná, disco que afianzaría el movimiento Rock en tu idioma; entre sus sencillos, estaban 10 temas.
A pesar de haber obtenido cierto éxito, esa primera grabación como Maná no dejó del todo satisfechos a los componentes del grupo. Diversos roces con el sello por el deseo de mantener la identidad del grupo frente a los intereses comerciales, llevaron a Maná a firmar con Warner Music.
Falta amor
Con la década de los noventa vinieron cambios esenciales. Fher y Álex sabían ya de los riesgos que implica ponerse en las manos de un productor que ve a sus grupos más como un producto que como una propuesta artística, por eso optaron por iniciarse en un camino del cual no se han apartado desde entonces: asumir ellos la producción de sus fonogramas. Con esa idea en mente graban el álbum Falta amor, que no obtiene el éxito sino hasta un año después de su lanzamiento y luego de que Maná recorre el país ofreciendo más de 350 conciertos. Finalmente, el sencillo Rayando el sol se convierte en el primer gran éxito de Maná, y con ese tema llegan al gusto de la gente otros como Perdido en un barco, Estoy agotado y Buscándola, lo que significó un primer disco de oro en México. Si bien el reconocimiento no era total, en Ecuador la banda se encontró con un estadio lleno donde 18 mil personas coreaban todos los temas que todavía en su país no eran tan popularmente conocidos.
¿Dónde jugarán los niños?
En 1992 Maná enfrenta otro cambio en su alineación con la salida de Ulises Calleros, quien desde entonces se dedica a representar al grupo. Ello significa la llegada de dos nuevos miembros: el teclista Iván González y el guitarrista César “Vampiro” López. Con esa nueva formación graban en Los Ángeles ¿Dónde jugarán los niños?, álbum que constituye un auténtico parteaguas en la historia del grupo y en la del rock en español, con ventas por más de un millón de copias solamente en México y hasta ocho sencillos encabezando las listas de popularidad en toda la América hispanoparlante. De entre ellos destacan Vivir sin aire, De pies a cabeza, Cómo te deseo, Oye mi amor, Cómo diablos, Te lloré un río y Me vale, temas que se han convertido en clásicos de su repertorio. A continuación vino una gira mundial ofreciendo 268 conciertos en más de 17 países de América, España y Suiza, a donde fueron invitados para participar en el prestigiado Festival de Montreaux. Para el principio de 1994 y por diferencias profesionales y artísticas, Iván González y César López dejan la agrupación a la mitad de la gira. Este disco se convirtió en uno de los más vendidos en todos los tiempos.
Cuando los ángeles lloran
Deseosos de regresar a su formación original como cuarteto, MANÁ audiciona a guitarristas provenientes de distintos países, hasta que finalmente en Aguascalientes, México encuentran al talento que buscaban en la persona del guitarrista Sergio Vallín, cuya sorprendente sensibilidad, técnica y versatilidad vienen a darle un lustre distinto al sonido de las guitarras en las producciones de la banda. Con esa nueva formación graban y editan el disco Cuando los ángeles lloran entre Los Ángeles y Puerto Vallarta. Esta producción se distingue por una notable evolución en la lírica y el sonido del grupo.
Con demos hechos en Guadalajara y Puerto Vallarta, el disco fue producido en Los Ángeles y les permitió una primera nominación al premio Grammy, el más importante en la industria discográfica. De esa grabación se desprenden sencillos como “Déjame entrar”, “No ha parado de llover” y “Hundido en un rincón”.
En septiembre de 1995 la banda creó la fundación Selva Negra, que se encarga de proteger la ecología de América.[1] [2]
Sueños líquidos
El siguiente álbum surgió de la ambición de crear música en un ambiente donde el agua, elemento vital como pocos, tuviera una presencia contundente. Por eso, el disco fue concebido frente al mar de Puerto Vallarta, sitio importantísimo en el Atlas creativo de Maná. Incontables atardeceres frente al océano fueron el marco idóneo para concebir Sueños líquidos, álbum producido también por Fher y Álex, en colaboración con Benny Faccone. El resultado fue una energética mezcla de rock pop y ritmos latinos que van desde el bosanova hasta el flamenco, pasando por la cadencia caribeña del reggae. Importantes sencillos como “En el muelle de San Blás”, “Hechicera” y “Clavado en un bar” se desprenden de esta producción.
Por primera vez en la historia de la banda, el nuevo disco fue lanzado al mercado mundial apareciendo simultáneamente en 36 países. También por primera vez, les permitió ganar el Grammy. La producción sonó fuerte en la Unión Americana y MANÁ se convirtió en la primera banda de rock en español que se presentó el El Show de Kathie Lee & Regis, emisión líder de audiencia en la televisión estadounidense.
MTV "Unplugged"
En 1999[3] se graba para la cadena MTV el Unplugged, que definitivamente los consagra en EE.UU. tocando algunos temas sociales como "Desapariciones", tema de Rubén Blades; y mexicanos como "Se me olvidó otra vez", tema de Juan Gabriel y "Te solté la rienda", tema de José Alfredo Jiménez. Con este álbum consiguen un éxito profundo en la radio y en el año 2000 colaboran con Carlos Santana en su álbum multiplatino Supernatural, con la canción "Corazón espinado".
Revolución de amor
Tres años pasaron para que Maná saque al mercado en 2002 Revolución de Amor. Este álbum tuvo como singles destacados: Angel de Amor, Eres mi religión y Mariposa traicionera. De igual modo, contó con la participación de Carlos Santana y su guitarra en Justicia, Tierra y Libertad y también con la de Rubén Blades en Sabanas Frías. Por último, se debe destacar también que el guitarrista del grupo, Sergio Vallin, debutó como cantante en la canción ¿Por que te vas?. El disco resulta ser menos exitoso en comparación a su predecesor. Luego el cantante italiano Zucchero invita a Maná a grabar la canción Baila Morena, Maná le devuelve la invitación al cantante italiano al invitarlo a participar en la canción Eres mi religión pero ahora en italiano, que luego fue incluida en una edición especial del disco Revolución de Amor. En la gira de Revolución de amor consiguen a Fernando Vallín como guitarrista invitado desde 2002.
Esenciales Maná
A finales del 2003 lanzan los recopilatorios Esenciales en tres versiones: Sol, Luna y Eclipse, que incluyen los temas más exitosos y otras colaboraciones de la banda, como por ejemplo la versión de Fool In The Rain, canción original de Led Zeppelin, incluida en un tributo al legendario grupo inglés. También se encuentra en la compilación la canción inédita Té llevaré al cielo, que se convirtió en todo un éxito.
En el 2004 salió a la venta el DVD llamado Acceso total, el cual incluye una mezcla de imágenes de varios conciertos y otras escenas
En febrero de 2006, Maná empezó a grabar Amar es combatir, el cual fue lanzado el 22 de agosto de 2006, alcanzando el número 4 en el "Top 200 Albums" de la revista Billboard en los Estados Unidos, récord solamente alcanzado para una producción enteramente en español por el álbum Fijación Oral Vol. 1 de Shakira. El primer sencillo en sonar de este disco, en Julio de 2006, fue Labios Compartidos. Rápidamente se colocó en el número 1 de las distintas radio emisoras, principalmente en las zonas latinas de Estados Unidos. El segundo sencillo fue Bendita tu luz (a dúo con Juan Luis Guerra). El tercer sencillo del álbum, estrenado el 24 de Enero del 2007 es Manda una señal, por fin su cuarto sencillo de este mismo CD es "Ojala Pudiera Borrarte" y teniendo como quinto sencillo El Rey Tiburón con el video grabado en México DF. Otras canciones destacadas son Somos Mar y Arena y Dime Luna. En Febrero ganan el Grammy e inician el tour por diversos países iniciando con 2 conciertos en San Diego y 4 en Los Ángeles para así empezar con 6 sold out. El 27 de Marzo, la banda vuelve a editar el disco de Amar es Combatir pero ahora en edición limitada que contiene un DVD.
El 29 de marzo de 2007, el Canal 4 de Puerto Rico (WAPA), reportó que los integrantes de Maná expresaron su apoyo público a la causa de la independencia de Puerto Rico. Luego de anunciar dicha noticia, el Canal 4 (WAPA), transmitió una entrevista mediante la cual Maná confirmo lo reportado anteriormente, al ser entrevistados por el periodista puertorriqueño Rafael Lenín López. A saber, a través de las imágenes transmitidas, se ve cuando un integrante de Maná apoyó —a nombre de todos los integrantes del grupo musical— el ideal independentista puertorriqueño.
En abril de 2007, el vocalista del grupo, Fher Olvera, destacó que Maná no está ni a favor ni en contra de la despenalización del aborto, sin embargo "ya era hora de hacer algo al respecto" debido al retraso en la educación sexual en México y que "la iglesia siempre se ha rehusado a las iniciativas anticonceptivas y de educación sexual", por lo que "era tiempo de dar una cachetada grande a los conservadores para que se pongan a trabajar en la educación sexual" y que se tomó la decisión ya que "que es una práctica que ha existido siempre, pero que mancilla a la mujer", expresión que le valieron amenazas de excomunión de la iglesia católica. También criticó que el ex-presidente mexicano Vicente Fox Quesada no hiciera algo al respecto durante su mandato y que le dijeron que "debían poner condones en los antros (discotecas) como ponen extintores y no le tomó importancia a la idea" a fin evitar embarazos no planeados. Dichas declaraciones fueron consideradas por algunos medios de difusión como "alabanzas a la despenalización del aborto" en México. Sin embargo, el grupo musical consideró indignante que la controversia dividiera a la población mexicana, asegurando que antes de caer en esa solución debería haber una cultura de prevención con mejor educación sexual y acceso a los anticonceptivos.
La canción "Cuando los ángeles lloran" está dedicada a Chico Mendes, humilde cauchero convertido en baluarte internacional de la defensa del medio ambiente.
Si bien es cierto Maná es una de las agrupaciones latinoamericanas más exitosas en cuanto a venta de discos, son duramente criticados por los seguidores del rock debido a que sostienen que esta agrupación no aporta ninguna innovación musical, y se conforman con seguir obteniendo éxito económico con su fórmula ya probada, en todo caso Maná sigue cosechando éxitos.
Arde el cielo
El 29 de abril de 2008 Maná saca un CD - DVD llamado Arde el cielo. Está grabado en vivo en su última gira mundial "Amar es combatir" que presenciaron más de 2 millones de personas en América y Europa. El grupo escogió para la grabación del álbum dos de sus cuatro actuaciones en el Coliseo de Puerto Rico en marzo de 2007.
El CD contiene 12 temas en directo y dos temas inéditos grabados en estudio. El primero de estos temas inéditos es "Si no te hubieras ido", una canción de Marco Antonio Solís ya versionada por otros artistas pero en la que Maná ha sabido poner su peculiar sello. El segundo tema inédito del CD es "Arde el Cielo" un tema compuesto y producido por Fher Olvera y Álex González. Ambos temas aspiran a ser Hits en 2008.
El DVD contiene 12 temas en directo que representan y repasan la historia de Maná, desde "Rayando el Sol" a "Labios compartidos", pasando por una roquera versión de la ranchera "El Rey" y canciones tan conocidas como "En el muelle de San Blas" o "Vivir sin Aire".
El grupo, en entrevistas a medios latinos, indica que cuando programaron la gira y vieron la repercusión que tenía fue cuando decidieron hacer este CD+DVD como regalo y recuerdo para todos sus seguidores.
la oreja de van gogh
Si aquella tarde de verano de 1994 alguien nos hubiera contado hasta dónde llegaría 
nuestra aventura seguramente el vértigo nos hubiera impedido continuar.
Sin embargo y afortunadamente, sentados en la playa de Ondarreta de San Sebastián era imposible imaginar lo lejos que llegaríamos con el grupo de música que acabábamos de formar cuatro amigos de la universidad.
La pasión por la música nos reuniría desde entonces los fines de semana en un local de ensayo que compartíamos con más amigos, no tanto por un espíritu comunero como por causa de las penurias financieras propias de nuestro estatus de estudiantes. Con todo, cada sábado terminó por ser una fiesta en la que desmontábamos y volvíamos a montar a nuestro gusto las canciones favoritas de nuestros grupos preferidos. Con sólo una parte de destreza por cada diez de ilusión, nuestros primeros pasos en la música nos supieron a gloria y en un plazo de tiempo que seguro que a los vecinos del bloque dónde ensayábamos les tuvo que resultar eterno, aprendimos a perfeccionar juntos nuestras habilidades con los instrumentos.
Antes de comenzar a escribir nuestras propias canciones, nuestro repertorio era tan bipolar que en él convivían U2 con Janis Joplin, Pixies con PJ Harvey y Nirvana con David Bowie. Con semejante desorden uno ya puede imaginarse lo complicado que nos resulta hoy hablar sobre nuestras influencias…
Pasaron los meses y hasta entonces no había resultado difícil encontrar algún amigo que nos visitara en el local y de paso se atreviera a colocarse frente al micro para cantar las versiones que preparábamos. Sin embargo, cada vez un poco más seguros de nosotros mismos, no tardamos en atrevernos con nuestras propias composiciones y con ellas sentíamos por fin que comenzábamos a tener una personalidad propia. Pronto comprendimos que necesitábamos alguien que, definitivamente, pusiera voz a nuestra música.
Gracias a un cúmulo de casualidades, Pablo conoció a Amaia y le propuso cantar con nosotros en nuestro grupo. Con una curiosidad indisimulable y una torpeza masculina elevada a cuatro nos presentamos a Amaia la navidad de 1995. Pronto condujimos a nuestra futura compañera a un local que antes invitaba a la fuga que al canto. Allí, en una tarde mágica, decidimos seguir juntos el camino.
Con una legión de seguidores tan grande como el número de amigos que teníamos, anduvimos tocando por todos los bares habituales de nuestra ciudad. En el legendario Ford Fiesta de Haritz llevábamos de aquí para allá todo lo necesario para nuestras actuaciones, incluido un amplificador de guitarra que Pablo tardó años en pagar y nosotros horas en romper al enchufarle un micrófono.
Con una economía deficitaria la única manera que encontramos de sufragar nuestra primera grabación fue pidiendo dinero en casa para fotocopiar apuntes de la universidad. De esta manera, pronto conseguimos tener una tarjeta de presentación que nos llevó a participar en multitud de concursos y actividades locales. De todas ellas, lo más significativo y emocionante para el grupo fue ganar el Concurso Pop Rock de San Sebastián el verano de 1997, esencialmente porque fue la única meta cierta que nos propusimos jamás.
Tan grande fue la ilusión que creíamos que no había ningún reto más allá. No olvidemos que éramos, como muchos otros, un grupo de estudiantes para los que la música era, aunque apasionada, tan sólo una afición. Pero de pronto y sin esperarlo en absoluto sonó el teléfono y desde Sony Music en Madrid nos llamaron contándonos que estaban interesados en nuestra música. La perplejidad no tardó en convertirse en una risa nerviosa de incredulidad.
Naturalmente, y aunque apenas entendíamos nada, dijimos que sí a todo. La idea de tener un disco grabado con nuestras canciones, nuestro nombre y nuestra foto era un sueño que ni nos habíamos planteado así que, aunque apenas teníamos más de cuatro canciones, contamos a la discográfica que nuestro repertorio llegaba a veinticinco. Las escribimos y las grabamos en un tiempo récord, casi sin darnos cuenta de que juntas formarían parte de nuestro primer disco: Dile al sol.
Se publicó en la primavera de 1998 y desde entonces el nombre de nuestro grupo comenzó a conocerse fuera de nuestra ciudad. Videoclips, televisión, entrevistas, sesiones de fotos, listas de ventas… Todo, absolutamente todo, era nuevo para nosotros y apenas dábamos crédito de lo que ocurría. Después llegaron los conciertos y las giras y si algo nos abrumó, muy por encima de otras experiencias, fue el contacto con la gente y descubrir que lo que hacíamos conseguía emocionar a las personas que lo escuchaban. Poco a poco se iban escuchando más y más canciones nuestras por la radio e incluso llegaron los primeros autógrafos.
Las noticias que llegaban eran cada vez mejores y en Sony Music, siempre gracias al impulso inicial de Jennifer Ces, creyeron que era el momento de que el grupo comenzara a visitar otros países.
No fue hasta setiembre de 2000 que, superada la presión por todo lo que se esperaba de nosotros, vio la luz El viaje de Copperpot. La compañía discográfica no dejaba de contarnos que estaba siendo todo un hito de ventas pero, aunque agradables, mucho más que los números nos importaba que La Oreja de Van Gogh no íbamos a ser un grupo de éxito fugaz.
Mientras intentábamos tomar aire para metabolizar tal cantidad de noticias maravillosas en España empezaron a pedirnos que volviéramos a México, Argentina y Estados Unidos aunque también conocimos Chile, Colombia, Puerto Rico, Centro América, Ecuador, Perú, Uruguay… En muy poco tiempo aprendimos más geografía que la que nos enseñaron en el colegio. Además, las horas juntos, las experiencias y el paso del tiempo por nuestras vidas nos seguían inspirando tanto que la composición de Lo que te conté mientras te hacías la dormida fue totalmente natural, estimulante y divertida. Se publicó en 2003 y para entonces el lanzamiento ya nos lo planteaban a escala intercontinental. Estaría disponible al mismo tiempo en España, en México o en cualquier otro país. Eran dignas de ver nuestras caras de resuelta solvencia cuando el presidente de Sony Music nos explicaba todo esto. No queríamos que notara cómo tragábamos saliva sintiendo que todo era alucinantemente grande para nosotros.
Algo que siempre ha sido fundamental para nosotros es guardar siempre una pequeña distancia a la hora de vivir toda esta aventura. Necesitamos estar cerca de cada cosa buena que le ocurre al grupo para poder disfrutarlo, celebrarlo y sentirnos satisfechos, pero también es cierto que nos encanta añadir cierto humor a las experiencias que nos permitan comprender que hay algo de irreal en el trato tan preferente que se nos da cuando va bien las cosas. Esto se traduce en no olvidar que los premios que recibimos nunca están exentos de cierto marketing, que es poco probable que en determinados ambientes, antes inaccesibles, nos hayamos vuelto atractivos, que algunas amistades se multipliquen, etc. Hay algo en La Oreja de Van Gogh que nos recuerda que somos amigos desde hace mucho, que hay que vivir el éxito de grupo sin que nada pasajero nos confunda sobre qué es lo que merece la pena, que los amigos que nos siguieron desde el principio lo hacían sin contar con nuestros logros en la música. San Sebastián ha sido siempre el escenario de nuestras vidas y representa el refugio de conceptos vitales muy importantes para nosotros. No en vano y aunque el grupo tenga una vocación cada vez más internacional, las personas que lo formamos tenemos aquí nuestra vida.
Ya con diez años de grupo y cerca de treinta en este planeta, todo estaba listo para afrontar la creación de Guapa en 2006. Mantener el equilibrio entre la identidad del grupo y la innovación nos metió en algún que otro quebradero de cabeza del que conseguimos salir rompiendo algunas de las canciones que teníamos escritas en pedazos que, reordenados, formarían otras más interesantes.
Durante el verano de 2007, después de haber estado de gira por medio mundo pero justo antes de empezar con la composición de nuestro quinto disco, Amaia decidió dejar el grupo con la idea de comenzar una carrera en solitario. La noticia nos dejó al resto totalmente perplejos y conmovidos. Teníamos muchísimas canciones por escribir y mucha energía que dar en directo, por eso es lógico que fuera unánime la decisión de continuar adelante. Más que nunca, la amistad nos ayudó a superar una situación complicada: no permitimos que a ninguno de nosotros le perdiera el desánimo o se dejara llevar por la nostalgia. Nos cuidamos los cuatro, los unos a los otros y por eso fue posible asumir un reto que en mucho nos recordaba a los inicios en el local de ensayo.
Ya con A las cinco en el Astoria escrito decidimos retroceder una década en el tiempo y buscar, como ya hicimos antes, a alguien que pusiera la voz en el grupo. Siempre hemos sido un grupo, una banda, así que, en vez de buscar sencillamente una cantante, nos empeñamos en encontrar a un quinto miembro de La Oreja de Van Gogh. En el grupo siempre hemos tomado decisiones a partes iguales y entendíamos que era fundamental para nosotros que quien entrara, al igual que el resto, fuera una fuente de ideas.
Por un amigo en común y después de conocer a mucha gente, nos pusimos en contacto con Leire y apenas bastó un instante en nuestro local de ensayo para sentir que la búsqueda había terminado: volvíamos a ser cinco.
El verano de 2008 fue crucial porque convivimos personal y musicalmente en Du Manoir, en Francia, un estudio legendario para nosotros donde hemos grabado muchas otras veces. De allí salimos con nuestro quinto disco bajo el brazo y con la sensación de que íbamos a vivir un nuevo comienzo. Casi doce años después, con nuestra pasión intacta, hemos aprendido algo fascinante: la música trasciende a las personas y no conoce nombres ni apellidos.
Leire, Pablo, Álvaro, Haritz y Xabi
solistas
amaia montero
Carrera musical
1996-2007: La Oreja de Van Gogh
Amaia se unió a La Oreja de Van Gogh en 1996 luego de que el guitarrista Pablo Benegas la escuchara cantar el tema Nothing Compares 2 U de Sinéad O’Connor en una fiesta y la invitara a hacer una prueba con su grupo, Los Sin Nombre, formado hasta aquel entonces por él, el bajista Álvaro Fuentes, el tecladista Xabi San Martín y el baterista Haritz Garde. Con la incorporación de Amaia, la formación decidió aceptar el nombre que ella propuso, pasando a llamarse formalmente La Oreja de Van Gogh.
El 18 de mayo de 1998, tras ganar el Concurso Pop-Rock de la Ciudad de San Sebastián en 1997, firman un contrato con la discográfica Sony Music y graban su primer disco, Dile al sol, con el que obtuvieron siete discos de platino en España. Su segundo álbum de estudio llamado El viaje de Copperpot, salio a la venta el 11 de septiembre de 2000. Con este álbum lograron consolidar su fama, alcanzando el éxito en latinoamérica y vendiendo más de 2 millones de copias en todo el mundo. En 2001 ganaron el premio al Mejor Acto Español en los MTV Europe Music Awards.
El 28 de abril de 2003 lanzan su tercer álbum, Lo que te conté mientras te hacías la dormida, el cual tuvo también excelentes ventas y por el que consiguieron varios reconocimientos, entre ellos una nominación a los Premios Grammy al Mejor Álbum Pop Latino. En 2006, editan su cuarto disco, Guapa, que se convertiría en el último trabajo de Amaia con el grupo. También lanzaron la caja especial LOVG 1996-2006 en conmemoración de los diez años de la banda.
2007-presente: carrera como solista
El 19 de noviembre de 2007, Amaia anunciaba en el blog oficial de la banda que decidía dejar La Oreja de Van Gogh tras 11 años en el grupo, para comenzar su carrera como solista.[1] Tras el anuncio, la cantante comenzó a trabajar en su primer álbum, Amaia Montero.
Entre enero y junio de 2008, realizó la primera maquetación en Madrid.[2] Tras la grabación de estas primeras maquetas, la cantante trabajó con el productor italiano Claudio Guidetti en Génova.[3] La grabación del álbum se realizó en Milán, en los estudios de Eros Ramazzotti, mientras que las mezclas y los últimos detalles se hicieron en los Henson Recording Studio de Los Ángeles y estuvieron a cargo de Mike Tacci. El disco contiene once canciones, todas compuestas por ella misma. Montero aseguró sobre este debut como solista que "ha sido empezar de cero, madurar de golpe. He intentado hacer un disco honesto, por un impulso artístico de expresar lo que soy. Necesitaba seguir mi propio camino y me he arriesgado".[4]
El álbum fue lanzado a la venta el 18 de noviembre de 2008 y alcanzó el número 1 en España, tras vender más de 40.000 copias en su primera semana,[5] obteniendo así el disco de oro de la lista Promusicae.[6] El primer sencillo del álbum, "Quiero ser", alcanzó el primer lugar en las radios españolas, y permaneció por 13 semanas en dicha posición.[7] El segundo sencillo fue "Ni puedo ni quiero", que se estrenó como single en Latinoamérica. El tercero fue "4"", y su videoclip iba a salir en enero, pero por retrasos en su producción fue postergado hasta abril. El cuarto sencillo es "Te voy a decir una cosa" y su video se estrenó el 15 de septiembre.
Discografía
- 1998: Dile al Sol
- 2000: El viaje de Copperpot
- 2003: Lo que te conté mientras te hacías la dormida
- 2004: Lo que te conté mientras te hacias la dormida tour 2003
- 2004: Paris /edición para Francia/
- 2006: Guapa y Más Guapa
- 2007: Bella /edición Italia/
- 2008: LOVG - Grandes Éxitos
- 2008: Amaia Montero
Colaboraciones
Amaia ha hecho varias colaboraciones con artistas, como:
- Miguel Bosé ("Sevilla").
- Alex Ubago ("Sin miedo a nada", "Vestido azul").
- El canto del loco ("Pueder ser")
- Eros Ramazzotti ("Está pasando noviembre").
- Alejandro Fernández ("Me dediqué a perderte").
- Tiziano Ferro ("El regalo más grande").
- Mikel Erentxun ("Ahora sé que estás", "Lau teilatu", "La orilla de Carla") .
- José Luis Perales ("¿Por qué te vas?").
- José Alfonso Lorca ("El último Quijote") .
- Pablo Villafranca ("París") .
- Ramsey Ferreiro ("Me quedas tú") .
Premios & Nominaciones (en solitario)
2009:
- Ganadora del Premio Orgullosamente Latino a la Solista latina del año (Latinoamérica).
- Nominación Premios Grammy Latinos al Mejor álbum vocal pop femenino por Amaia Montero.
- Nominación Premios 40 Principales 2009 Mejor Canción (Quiero Ser - Amaia Montero),Mejor Artista Solista Amaia Montero y Mejor Álbum Amaia Montero - Amaia Montero
juan esteban aristizaba
Juan Esteban Aristizábal Vásquez (n. 9 de agosto de 1972), más conocido como Juanes, es un cantante, compositor, guitarrista, arreglista y productor colombiano. Su estilo es la música rock/pop con la que fusiona diversos ritmos musicales. Es además un declarado activista de causas sociales y humanitarias. Nacido en Carolina del Príncipe, Antioquia, Colombia, su nombre artístico, Juanes, es el apodo con el que era llamado en la infancia en su familia y surge de la unión del primer nombre y la primera sílaba del segundo. Juanes pasó parte de su infancia en el municipio de Carolina del Príncipe (occidente de Colombia) y posteriormente en Medellín.
Sus éxitos comenzaron cuando empezó a incorporar la música rural colombiana, que es producto de las fusiones de rock pop con ritmos indigenas, africanos e hispanos.[cita requerida] Desde la infancia ya tocaba instrumentos y la música fue su principal hobbie. A los 15 años comenzó su carrera con la banda de rock Ekhymosis, con la que publicó 5 álbumes logrando cierta fama al grabar la publicidad de zapatos verlón [1]. Al disolverse la banda, Juanes decide lanzarse como solista y en el año 2000 debuta con el álbum Fíjate bien . En el año 2002 ratifica la calidad de su trabajo con Un día normal. En conjunto, varios son los temas que sobresalen. Canciones como: “Volverte a Ver ”, “Para tu amor”, “A Dios le pido” (Que de hecho es usada en el primer capítulo de la 4ª temporada de la aclamada serie Alias), “La tierra” y el éxito “La camisa negra”, número uno en diversos países de América, Europa y Asia[cita requerida]. A finales de 2007 publica el que ha sido considerado como uno de los mejores trabajos musicales en español[cita requerida]: La vida... es un ratico, cuyo sencillo de lanzamiento fue "Me enamora", número uno en más de 20 países[cita requerida] y que sólo fue superado en la lista latina Billboard por el tema “Gotas de agua dulce”, perteneciente igualmente al último álbum de estudio de Juanes.
Fue condecorado por el Gobierno de Francia con la orden de Caballero de la orden francesa de las artes y las letras. Así mismo ha sido elegido por la revista estadounidense People como una de las 100 personas más influyentes del mundo y por Los Angeles Times como "la figura del rock latino más destacada de la última década". El gobierno del Ecuador lo nombro embajador de la alegría. Además, según su sello discográfico, Universal Music, Juanes ha sido galardonado, entre otros, con 17 premios Grammy Latinos (5 ganados en la última entrega de los premios Grammy el 13 de noviembre del 2008), 1 Grammy Anglo(ganado en la ultima entrega de los premios Grammy el 8 de febrero del 2009), 9 Premios MTV, 2 NRJ Radio Awards, 6 premios "Lo Nuestro", los máximos galardones posibles en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (antorcha de plata, antorcha de oro, la gaviota de plata y la exclusiva gaviota de oro simbólica) y otros reconocimientos internacionales.
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